Creacomp
DIENSTEN
EEN MELODIE SCHRIJVEN
Wat zijn de componenten van een melodie?
Een melodie bestaat uit twee hoofdbestanddelen: toonhoogte en duur. In de muziektheorie trilt elke noot op zijn eigen frequentie, die de toonhoogte bepaalt: hoe “hoog” of “laag” hij klinkt. De duur verwijst naar hoe lang een noot wordt aangehouden. Een kwartnoot is bijvoorbeeld een noot die een kwart duurt van de duur van een maat in 4/4-maat. Duur verwijst ook naar de lengte van de pauzes tussen de noten.
3 soorten melodieën
De meeste melodische ideeën komen voort uit een akkoordenschema of een toonladder, met één opvallende uitzondering.
1. Op akkoorden gebaseerde melodieën: Sommige songwriters beginnen hun melodie-schrijfproces met het schrijven van een reeks akkoordwisselingen. Ze componeren dan melodieën gebaseerd op de akkoordtonen – de noten waaruit elk akkoord bestaat.
2. Op toonladders gebaseerde melodieën: Op toonladders gebaseerde melodieën bestaan uit noten binnen een bepaalde toonladder of modus. Bijvoorbeeld, een C majeur melodie gebruikt alleen de tonen van een C majeur toonladder (aangegeven door een key signature zonder scherpe of platte tonen). Majeur- en mineurtoonladders bevatten meestal zeven noten (sommige mineurtoonladders meer), maar je kunt een geweldige melodie componeren met minder noten. Pentatonische toonladders, die slechts vijf noten bevatten, komen vaak voor in popmuziekproducties.
3. Monotone melodieën: Technisch gezien kunnen melodieën ook monotone ritmische patronen zijn. Sommige zangmelodieën in hiphop passen in deze categorie, evenals dansbeats in sommige EDM-nummers. Dit betekent niet dat elke drumslag telt als melodie van een liedje, maar als er geen hoge tonen overheen liggen, kan een ritmisch patroon dienen als melodie voor een deel van een liedje.
DE DRUMBEAT MAKEN
De belangrijkste elementen van een drumbeat zijn de kickdrum, snaredrum, hi-hats en toms/percussie. Als je eenmaal een drumspoor hebt ingesteld en gekoppeld aan een drumplug-in, zijn er een paar verschillende manieren om drumbeats op te nemen.
Eén mogelijkheid is om de pianorol te pakken en met de potloodtool van je DAW te tekenen waar elke drumslag moet komen. Deze methode is geweldig en snel als je het gewenste patroon kent.
Een andere methode is het maken van een drum beat met een pattern sequencer. Het voordeel van een pattern sequencer is dat ze het proces van het maken van drumpatronen versnellen, omdat ze meestal voorzien zijn van tools die het herhalen van dingen, zoals hi hat patronen, super eenvoudig maken.
Je kunt de drumbeat ook uitvoeren op een MIDI-beatmachine. Deze methode is ideaal als je wilt dat je uitvoering het menselijke element van subtiele imperfectie heeft. Als je de pattern sequencer of de pencil tool gebruikt, is het resultaat meestal te perfect gequantiseerd, waardoor je beat levenloos kan klinken en je terug moet om subtiele timing- en snelheidsvariaties toe te voegen.
EEN BASLIJN CREËREN
De baslijn vormt de kern van elk modern nummer. Of het nu subtiel is of sterk overdreven, zonder baslijn zou hedendaagse muziek gebrekkig klinken. Als we het proberen uit te leggen, zou een basisdefinitie de volgende zijn: Een Bassline is een laag gestemd instrumentaal deel van een liedje of een sequentie. Het wordt meestal gespeeld in het lagere register van instrumenten zoals een gitaar of piano. Dit geldt ook voor elk ander instrument dat lagere octaven heeft.
Een geweldig klinkende baslijn bestaat bijna altijd uit twee factoren, een uitstekend geluid en een geweldige groove. Met andere woorden, de baslijn gebruikt lage tonen die voor ritme zorgen en tegelijkertijd de basis leggen voor de akkoordprogressie. Bovendien overbrugt de baslijn de kloof tussen de ritmische partij gespeeld door de drummer en de melodische lijnen gespeeld door de leadgitarist en de akkoordpartijen gespeeld door de ritmegitarist en/of toetsenist.
De baslijn afstemmen op de kickdrum
Het spreekt voor zich dat een goede relatie tussen de baslijn en de kickdrum het belangrijkste fundament van de track is. Probeer dat aan het begin van het mixen aan te pakken. Het is namelijk altijd makkelijker om andere elementen van het nummer te mixen volgens de kickdrum en bassline dan andersom.
Wees niet bang om van anderen te leren
Neem een track die je goed vindt en luister naar de baslijn ervan – de kleur, het volume, hoe het klinkt samen met andere elementen van de track, enz. Door te proberen het te imiteren, zal je gehoor ervan profiteren. Dit kan je naar iets anders leiden, wat ook geweldig kan klinken. Gebruik deze tip echter om je vaardigheden te versterken, niet om te plagiëren.
Layering
Er zijn veel geweldig klinkende synthesizers of samplebibliotheken. Omdat sommige daarvan duur zijn en je ze misschien niet allemaal kunt bezitten, moet je gebruiken wat je hebt. Probeer je baslijn te maken door twee of meer geluiden in lagen te leggen. Gebruik tools als compressors, equalizers, distortions, enzovoort om ze aan elkaar te binden.
Glijdende noten
In veel muziekgenres klinken vloeiende overgangen tussen basnoten geweldig. Je kunt dat bereiken met portamento/legato, dat deel uitmaakt van elke hardware- of softwaresynthesizer. Dit doet wonderen op elektrische, akoestische of gesynthetiseerde baslijnen.
Harmoniseren
De baslijn volgt meestal de grondtonen van de akkoorden die door de andere instrumenten worden gespeeld. De hele smaak van het nummer kan veranderen als je de basnoten verandert in andere die in harmonie zijn met je akkoorden.
ZANGOPNAME
Voordat we bekijken hoe je zang kunt opnemen, moet je de instellingen van je DAW controleren. Mogelijk moet je hiervoor de handleiding raadplegen. Het beste is om je audio sample rate op 48khz en de bit rate op 24 in te stellen. Dit is tegenwoordig vrij standaard. De enige keer dat deze instellingen kunnen veranderen, is als je een sessie hebt geïmporteerd die met andere instellingen is gemaakt, of als er door je klant om specifieke specificaties wordt gevraagd.
Tape vs. Digitaal
In de “goede oude tijd” van de tape gaven opnametechnici de voorkeur aan vrij hoge ingangsniveaus en er zijn nog steeds technici die dat doen; zij stellen het ingangsniveau zo in dat de luidste delen net onder nul op de meter zweven en vertrouwen op een hardwarecompressor om de pieken te controleren zodat ze niet overbelast raken. Dit was om de ruis die inherent is aan het opnemen op band – bekend als “bandruis” – zoveel mogelijk te beperken. Dat is nu niet meer nodig.
Digitale zangopnamen hebben een veel lagere ruisvloer en het kwaliteitsverschil over een vrij groot dynamisch bereik is verwaarloosbaar. Mijn vocale opnamesessies pieken meestal rond -10db. Dit geeft me 10db veiligheidsmarge voor het geval een zanger besluit me te verrassen en een super luide noot eruit te knallen, en het is een eenvoudig proces om de gain van het opgenomen materiaal te verhogen.
‘Goed in, goed uit’
Bij het opnemen van audio is mijn favoriete mantra “Good in, good out”. Je doel is om het geluid zo getrouw mogelijk aan het origineel vast te leggen, zodat je in een betere positie verkeert en meer opties hebt, wat je ook doet na je sessie.
Met wat eenvoudige DSP (Digital Sound Processing) zou het bijvoorbeeld gemakkelijk zijn om een heldere, schone zangopname te laten klinken alsof de sessie in een badkamer is gehouden. Maar het is moeilijk om een sessie opgenomen in een badkamer te laten klinken als een heldere, schone zangopname. Neem geen genoegen met iets waar je niet helemaal tevreden over bent, in de veronderstelling dat het later bij het afmixen wel kan worden opgelost.
Opgenomen audio kan na de opname veel verschillende processen doorlopen. Elk daarvan werkt niet alleen in op het pure stemgeluid dat u wilde vastleggen, maar verandert en versterkt ook de artefacten die onbedoeld in de stemopname terecht zijn gekomen. (d.w.z. galmende geluiden en externe ruis).
Dus, bijvoorbeeld, een klein beetje van de vocale mid-range kan worden gehoord reflecterend tegen het plafond, maar je besluit dat het niet zo’n groot probleem is. Wacht maar tot je de zangopname hebt gecomprimeerd en beïnvloed (waardoor de ruisvloer wordt verhoogd). Nu zul je het ineens steeds meer gaan merken, totdat je uiteindelijk bij elke beluistering niets anders meer hoort.
Directioneel
Condensatormicrofoons zijn “directioneel”. Dat betekent dat ze het sterkste en zuiverste geluid direct voor zich opvangen.
Als uw zanger te veel beweegt, met name van links naar rechts, is dat te horen in de opname. U denkt misschien dat dit zich manifesteert als alleen een variatie in niveau, maar dat is niet zo; de textuur van de opname zal ook iets veranderen. En nogmaals, deze variatie wordt duidelijker wanneer de zanger terug is gevlogen naar Alaska en jij de opnames aan het mixen bent.
Proximity Effect
Een andere belangrijke overweging is de afstand tot de microfoon. Het veranderen van de afstand tussen de bron en de microfoon verandert de textuur van de zangopname. Hoe groter de afstand, hoe lichter en minder “afgerond” de zangopname is. Dit staat bekend als het “Proximity Effect”. Dit houdt in dat hoe dichter de bron bij de microfoon staat, hoe hoger het niveau van de lagere frequenties wordt opgenomen.
Het Proximity Effect kan worden gebruikt als techniek. Bijvoorbeeld als u een warm, intiem stemgeluid wilt creëren. Maar pas op, te dichtbij en het kan te “boomy” of “boxy” klinken. Ook de gevoeligheid van de microfoon doet hem in dit opzicht geen goed. Als je een zanger dicht bij de microfoon opneemt, loop je namelijk het risico dat je ongewenste plofgeluiden opneemt die ontstaan als de zanger een P of een T uitspreekt. Dit staat bekend als “plosives”, hoewel we het vaak “popping” noemen. Het plaatsen van een popfilter een paar centimeter voor de microfoon kan dit helpen verminderen. Het is echter beter er niet alleen op te vertrouwen.
Omgeving van de microfoon
De omgeving van de microfoon speelt ook een grote rol bij het bepalen van uw mogelijkheden. Als u erin geslaagd bent de kamer volledig te dempen, hebt u meer flexibiliteit in hoe ver van de microfoon uw bron kan staan.
Het kan echter zijn dat je er niet in geslaagd bent alle reflecties in de kamer te elimineren. In dat geval kun je de bron het beste zo dicht mogelijk bij de microfoon plaatsen.
Ik ben er bij gelegenheid in geslaagd een zangopname te maken in behoorlijk lawaaierige en galmende ruimtes. Je kunt dit doen door de zanger dichterbij te plaatsen dan wat je normaal gesproken prettig zou vinden. Vervolgens moet je het proximity effect en de pops aanpakken met een EQ en zeer gerichte montage. Het mixen komt in het volgende deel aan bod.
Hoe weet je of je stemopname goed is?
Deze vraag wordt mij vaak gesteld. Er zijn maar twee precisie-instrumenten die je echt kunnen vertellen of je zangopname goed of slecht is… Je oren! Ik vergelijk audio-opname met het drinken van wijn; je kunt jarenlang Liebfraumilch van $1,99 drinken, maar als je eenmaal de fijnere nuances van een vintage St Emilion ontdekt en begint te waarderen, vind je het heel moeilijk om terug te gaan. Het is een van de grootste geneugten van mijn werk om een goede stem goed opgenomen te horen; ik krijg er nog steeds kippenvel van.
Ongewenste geluiden
Wanneer je klaar bent met je zangopname, is het heel verleidelijk om aan te nemen dat het prominente deel van het geluid – de stem – elke ademhaling, mondklik, plop, geritsel enz. zal maskeren, vooral wanneer het tegen de muziek wordt gezet. Of je je bestanden nu doorstuurt of zelf mixt, dit zal bijna altijd een vergissing zijn. Het duurt niet lang om uw zangopname te editen en alle ongewenste geluiden tussen de zangpartijen weg te halen.
Je kunt ook een “roll-off” toevoegen. Dit is een eenvoudige EQ-techniek die letterlijk de lagere frequenties van het geluid afrolt. Daarmee wordt veel ruis verminderd. Dit helpt ook om de zang in de mix te plaatsen, omdat lagere frequenties, hoewel niet merkbaar voor het menselijk oor, meer energie leveren dan hoge frequenties. Het effect is dat andere geluiden worden gemaskeerd, waardoor ze moeilijker te plaatsen zijn. Een roll-off van 45 graden vanaf ongeveer 80hz helpt dus. Mijn DAW is hierop ingesteld.
Overmatig gebruik van DSP
De verleiding bestaat, vooral als je net een nieuwe plug-in hebt gekocht, om te veel gebruik te maken van Digital Sound Processing (DSP). Wat tijdens een mixdownsessie geweldig klinkt bij 80db klinkt heel anders op een koptelefoon of op een klein muziekapparaat. Er zijn te veel vormen van audio-effecten om in dit artikel in detail te treden. Maar heel snel, je hebt tijdgebaseerde effecten zoals reverb, delay, chorus. Je hebt ook dynamische effecten zoals compressie, limiting, gate. Ik heb een algemene vuistregel voor tijdgebaseerde effecten: pas het toe tot het geweldig klinkt en verminder het effect dan met de helft.
Nu ken je de basis van het opnemen van zang!
TRACK ARRANGEMENT
Intro: Een intro is meestal een veelvoud van 16 maten lang, en introduceert vaak om de 32 tellen een nieuw instrument of geluid. Sommige intro’s beginnen met drums en voegen geleidelijk lagen van instrumenten toe. Een buildup of andere auditieve cue laat je weten dat het volgende deel eraan komt.
Couplet: In liedjes met tekst is elk couplet meestal anders dan het volgende. Het couplet zet het thema van de track neer en gaat op natuurlijke wijze over in het refrein.
Refrein (of ‘Hook’): Dit bevat de belangrijkste boodschap of het thema van het lied. Het is opgebouwd rond een melodische “hook” en is het meest pakkende en energieke deel van de track.
Breakdown: Dit is een overgang van het einde van het refrein naar het begin van het volgende deel van het lied. Dance nummers hebben meestal zeer spaarzame Breakdowns, zodat er veel ruimte is om geleidelijk op te bouwen naar een epische Drop.
Drop: In dansmuziek worden breakdowns traditioneel gevolgd door een Drop, een super spannend gedeelte. Het is gebruikelijk dat dit ook de Hook of het Refrein is, misschien met nog meer spannende toegevoegde elementen.
Chorus 2/Hook 2: Meestal een herhaling van het 1e Chorus, soms met wat subtiele verschillen.
Bridge: Dit is een optioneel overgangsgedeelte aan het eind van een nummer. Een bridge komt maar één keer voor, en is muzikaal en tekstueel anders dan de rest van het nummer.
Refrein 3: Sommige nummers herhalen het refrein een derde keer.
Outro: Dit is het afsluitende segment. Meestal even lang als het intro en vaak vergelijkbaar in het arrangement. Waar de Intro delen toevoegt om op te bouwen, verliest een Outro geleidelijk delen om de energie af te zwakken. DJ’s mixen graag uit deze secties omdat er dan meer ruimte is voor een nieuw nummer in de mix.
